El primer podcast en España sobre Fotografía y retoque digital. Hablamos sobre todo lo relacionado con el mundo de la fotografía, cámaras, entrevistas, consejos y en nuestra plataforma encontrarás videotutoriales online. La mejor plataforma para aprender
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31. Cómo interpretar las curvas MTF y saber analizar un objetivo
Volvemos con otro podcast después de un par de semana convaleciente con la garganta. Aún sigo un poco pachucho pero no aguanto más y necesito hablar, esta vez, de cómo interpretar las curvas MTF y saber analizar un objetivo. Arthur desde California, nos hacía la petición para hablar sobre este tema, ya que está indeciso y quiere conocer el funcionamiento de esta gráfica que puede volvernos un poco locos si no sabemos interpretar correctamente. Una curva MTF no es más que un gráfico en 2 ejes X e Y que mide la nitidez, resolución y contraste de nuestros objetivos a través de dos valores, la nitidez del 0 al 100% en el eje "Y", y la distancia del centro de nuestro sensor a las esquinas que mide el eje "X". Siempre nos encontraremos con una línea descendentes, debido a que los objetivos flaquean en las esquinas, y en esta gráfica podremos ver cuánto. Uno de los grandes inconvenientes de estas gráficas, es que están realizadas sobre sensor Full Frame, algo que nos puede servir de poco si usamos una cámara con formato APS-C, y por lo tanto, los valores no podremos tomarlos como referencia absoluta, ya que estos valores varían dependiendo en qué cuerpo se encuentra montado cada objetivo. Las curvas MTF se basan en un test militar creado en EEUU, actualmente en desuso, que sigue siendo el estándar de las casas de objetivos para calcular la calidad de los mismos. Básicamente funciona como si de una prueba de la vista se tratase, dónde tenemos que averiguar las letras que van reduciéndose, pero a través de líneas negras y blancas en posición vertical y horizontal que miden la capacidad de un objetivo de definir los bordes de las líneas respecto a la distancia. Volviendo a nuestra curva MTF, tras conocer el funcionamiento de estas curvas, veremos que las líneas continuas que observamos en al gráfica se corresponden con la calidad en nitidez de la agrupación vertical y la línea discontinua corresponde a la calidad de nitidez de la agrupación horizontal. Normalmente ambas líneas, continua y discontinua, suelen ir a la par en el gráfico, este hecho nos indicaría que el bokeh de un objetivo es suave y bonito a la vista, mientras que si las líneas tuviesen un fuerte desvío, nos indicaría lo contrario. A priori, todos los gráficos se realizan teniendo como referencia la máxima apertura del objetivo, salvo que se indique lo contrario en la gráfica. También es habitual encontrarnos con la misma prueba realizada en el punto dulce de los objetivos, normalmente a F/8 Ejercicio: Analiza estos tres objetivos 35mm Os dejo este pequeño ejercicio, haber si sabéis interpretar las curvas MTF de estos tres objetivos 35mm de distintas marcas. Podéis enviarme vuestras apreciaciones a través del formulario de contacto. Como ya sabéis, recomiendo hacer el análisis de un objetivo no sólo basándose en las curvas MTF, que puede ser un buen orientador pero para nada el más completo. Para ello os recomiendo la web de dxomarkt.com, a través de este servicio podréis analizar de una forma más profunda y concisa el objetivo u objetivos que queráis comprar comparando su rendimiento en vuestra propia cámara DSLR, que es realmente lo que nos interesa. Además, las curvas comparativas que nos ofrece esta web son mucho más amplias, visual y fácil de entender que las curvas MTF. Os dejo las tablas comparativas de nuestro Canon 17-40mm del que hablamos en el podcast. Lo primero que debemos hacer es montar el objetivo que estamos buscando sobre nuestra cámara, de esta forma, veremos que los resultados de Nitidez, Transmisión, Distorsión, Viñeteo y Aberración Cromática varían según el cuerpo que utilicemos. Una vez realizado esto, os recomiendo que visitéis las distintas curvas que tenéis disponible en el apartado measurements, a través del cual podremos analizar de forma exhaustiva nuestro objetivo. Nitidez: Vemos que nuestro objetivo rinde perfectamente en nitidez durante todo el rango focal de nuestro objetivo por debajo F/11. Sin embargo, si nos movemos a la pestaña Field Map, vamos a poder afinar más y ver que a 17mm (rango que suelo utilizar con mayor frecuencia) la mejor opción es disparar a F/5.6 para obtener la mayor nitidez. Distorsión: A través de la pestaña Grid, podremos ver de forma muy visual la distorsión "efecto barrilete" que tiene este objetivo en cada focal. Viñeteo: Ya sabíamos que en las esquinas nuestro objetivo suele flaquear, y a través de la pestaña Field Map, vamos a poder ver de forma visual cómo y donde se produce este viñeteo. Aberración Cromática: De nuevo vemos que la principal fuente de aberración cromática se lleva a cabo en las esquinas de nuestro objetivo. Enlace de interés: dxomarkt.com
30. De la cámara al papel: Podcast en Directo JAPOD 2016
En este podcast reproducimos el directo que realizamos para las Jornadas Andaluzas del Podcasting JAPOD 2016 donde hablamos sobre el proceso de llevar una fotografía de la cámara al papel y las recomendaciones por parte de Jorge, técnico de laboratorio, que nos ayudará a entender y comprender el flujo correcto de impresión, si lo que queremos es una representación fiel de nuestras imágenes. Desgranaremos cómo debería ser el proceso de calibrado de color correcto para llegar a tal fin. Empezamos hablando de la calibración de monitor. Para ello, Jorge nos recomienda usar durante todo este proceso una marca en concreto: xrite, la marca por excelencia que deberíamos de usar si queremos asegurarnos buenos resultados. Jorge hace hincapié en esta marca, ya que es el "estandar" de calibración de las máquinas dónde después pasaremos a imprimir nuestras fotografías, por lo tanto, tiene lógica que nuestros equipos estén calibrados con la misma marca. El aparato que enseñamos en el podcast es un modelo parecido al X-Rite ColorMunki Smile, este calibrador es el más barato que vamos a poder encontrar de esta marca y su precio ronda los 100€. Su funcionamiento es más que fácil, a través de un software que instalamos en nuestro ordenador y junto a su colorímetro, podremos calibrar nuestro monitor en un proceso guiado que no tardará más de 5 minutos. Pasamos a la cámara, dónde deberemos elegir el perfil de color con el que queramos trabajar, nuestras cámaras nos ofrecen dos posibilidades: sRGB o Adobe RGB. Lo ideal es siempre trabajar con el mismo perfil de color que vayamos a utilizar durante todo el proceso, aunque nosotros recomendamos utilizar Adobe RGB ya que es un perfil con más profundidad de color que sRGB. También os recuerdo que este paso tampoco es tan importante si estamos trabajando con RAW, ya que podremos asignar el perfil de color que nosotros queramos a nuestro antojo sin alterar nuestra imagen, no pudiendo hacer lo mismo en JPG. Una vez realizada esta configuración, otro paso no tan importante, pero si que es bueno saberlo, es el de calibrar nuestras propias cámaras réflex. Hay mucha gente que desconoce que nuestras cámaras también pueden ser calibradas. Este paso, suele ser determinante sólo en aquellas circunstancias que lo requieran, como por ejemplo, fotografía de obras de arte o en importantes exposiciones. Normalmente, para un usuario medio, incluso avanzado, este paso es totalmente prescindible, pero es bueno saber que existe y su funcionamiento por si queremos afinar más en algún trabajo en concreto. Para calibrar nuestras cámaras necesitaremos un nuevo elemento: X-Rite ColorChecker Passport, otro aparatejo que nos supondrá otros 100€ de inversión. A través del cual, podremos realizar una fotografía de muestra dónde, después en nuestro programa de edición, podremos hacer la corrección según la iluminación que teníamos en el momento de hacer la fotografía. Por último, hablamos de las distintas herramientas técnicas que usan los laboratorios de imagen, con los cuales siempre es recomendable hablar y tener una conversación previa acerca de su forma de trabajar y los distintos elementos de los que disponen para poder llevar a cabo nuestra impresión para conseguir un reflejo fiel de los colores tal y cómo nosotros lo queremos. Hasta aquí este podcast dónde me gustaría agradecer la colaboración de Jorge y Jose Luis, a los asistentes y organizadores de JAPOD 2016.
29. Distintos formatos de archivos y ganadores de nuestros sorteos
En este podcast hablaremos de los distintos formatos de archivos que podemos encontrarnos a la hora de trabajar con nuestras imágenes. Los dividimos en dos grupos, contenedores y archivos de imagen. Hablaremos de los archivos RAW, PSD, TIFF, JPEG y PNG. También aprovechamos para anunciar el próximo directo que tenemos programado para el día 30 de abril en las Jornadas Andaluzas del Podcasting, dónde estáis más que invitados a participar de él en directo con vuestras preguntas y hablaremos con Jorge, técnico de laboratorio, que nos explicará cómo llevar correctamente una imagen de la cámara al papel. Por otro lado anunciamos los ganadores de nuestros sorteos. Os recordamos que teníamos un libro firmado por Rodrigo Rivas: Fotografía Móvil que se va las manos de nuestro suscriptor Manuel Jesús García Sánchez, y por otro lado, una cámara réflex Canon 350D que va a las manos de @Virgilio_Shaw. Muchas felicidades a ambos y nos pondremos en contacto con ustedes para haceros llegar vuestro premio. Aprovecho para agradecer a todos la participación al mismo y por todas las fotografías tan bonitas que habéis aportado al grupo. Os dejamos la foto ganadora del concurso, dónde ha utilizado como regla de composición las Líneas de Fuga.
28. Entrevistamos a Rubén Álvarez, diseñador del Splash Screen de Photoshop
Esta semana en nuestro podcast entrevistamos a Rubén Álvarez, artista digital creador del Splash Screen del 25 aniversario de Photoshop. Esa imagen que nos aparece cada vez que ejecutamos el programa. De esta forma, Rubén Álvarez se ha dado a conocer al mundo entero, dónde posiblemente, sea el mejor escaparate dónde presentar tu trabajo. Conoceremos cómo es el trabajo de un artista digital, su relación con el mundo de la fotografía y nos ayudará a introducirnos en este mundo si queremos dar nuestros primeros pasos en él. Consejos de un joven de 23 años que ha logrado ya, mostrar su trabajo en la mismísima gala de los Oscars. En este vídeo, podéis ver el desarrollo de este proyecto que le ha llevado a la fama y el reconocimiento por todo el mundo. Estamos ante una joven promesa que tiene un futuro más que alentador impulsado nada más y nada menos que por la casa Adobe. También nos habla sobre el estado actual en España de este campo de la fotomanipulación y la importancia de concienciar a la gente de usar una licencia de Adobe para nuestro día a día, hoy por hoy, más accesible que nunca. Podéis ver sus trabajos y conocer más acerca de él a través de los siguientes enlaces de interés. Enlaces de Interés: Rubén Álvarez: Página Web Facebook Rubén Álvarez Twitter Rubén Álvarez Youtube Rubén Álvarez LinkdIn Rubén Álvarez Behance Rubén Álvarez EnvatoTuts DevianART
27. Noticias, preguntas y la herramienta niveles
Ya está aquí el podcast de esta semana, cargado de noticias, preguntas y vamos a aprovechar para hablar de la herramienta niveles. Pero antes de nada, aprovechamos para dar la bienvenida al equipo de carretedigital a Jose Luis Martínez. Se une a nuestro equipo como redactor y lo tendréis por nuestro blog compartiendo todo lo que sabe y pronto también lo podréis escuchar en nuestro podcast. Por otro lado, dar las gracias a los que asistieron ayer a la meetup que teníamos programada en Fnac Sevilla, tuvimos un encuentro dónde hablamos de la Naturaleza y la fotografía a manos de Manu Cruz, una buena oportunidad para pasar tiempo con otros amigos de la fotografía. Os recordamos los dos sorteos que tenemos disponible, por un lado el libro de Fotografía Móvil firmado por Rodrigo Rivas que irá a manos de uno de nuestros suscriptores que responda bien a la pregunta que tenéis en la Intranet. Por otro lado, seguimos con el concurso de una cámara réflex Canon 350D. Tenéis toda la información en los enlaces de interés. Continuamos con las noticias del sector, dónde lo primero que destacamos es la sorpresa que nos trajo Google y que ya anunciamos en nuestro blog, acerca de Nik Collection, un paquete de software que podremos descargar totalmente gratis desde su web. En cambio Yahoo, va pegando pasos hacia atrás, hace poco nos enteramos que su software para subir imágenes automáticamente Flickr Uploader, se convertía en una herramienta de pago. Algo que no va a sentar muy bien a una comunidad muy denostada. Os hablamos de Irix, una lente para dominarlas a todas, también os hablamos de ella la semana pasada y os dejamos un enlace para ampliar la información, de lo que será seguro, uno de los objetivos más interesantes del próximo año. Dejamos las noticias del sector para empezar con las preguntas de fotografía de nuestros oyentes, empezamos con una sobre el RAW y cómo saber si está modificado o no. Explicamos que las modificaciones que hagamos en un RAW quedan guardadas en un archivo XMP que podremos exportar a otro programas de edición, pero que en cualquier momento, podremos volver a los ajustes iniciales del RAW con un simple clic. En cuanto al modo de funcionamiento de los cursos online que tenemos en esta página, para que sea de mayor facilidad, os he dejado en la zona de cursos, las lecciones abiertas y gratuitas marcadas en negritas para que os sea más fácil localizarlas y os anime a suscribiros. También respondemos con varias recomendaciones de libros a una pregunta de un oyente que quiere formarse utilizando libros recomendados, le dejamos una lista amplia sobre algunos que personalmente considero de interés. Por último aclaramos una pregunta que nos viene genial para empezar a hablar de retoque dentro de nuestro podcast de Fotografía y Retoque Digital, y es que vamos a aclarar la herramienta de Niveles, explicaremos cómo funciona y cuándo y cómo debemos de usarla. Pero para empezar a utilizar esta herramienta debemos saber utilizar el histograma, os dejo el podcast donde hablamos de ello. Cuando abrimos la herramienta niveles podremos ver nuestro histograma incrustado junto a tres deslizadores. Uno para las zonas de sombras, otra para medios tonos y otra para altas luces. El en el histograma que tenemos presente, vemos cómo nuestra fotografía se encuentra con el mayor peso de pixeles repartidos sobre la zona izquierda, la zona de las sombras, por lo cual nos está indicando que nuestra fotografía está subexpuesta (oscura). Para corregir dicha imagen tan sólo tendremos que desplazar el deslizador de altas luces hacia la izquierda, comprimiendo de esta forma el histograma para subir la exposición de la misma. Al hace esto, es recomendable hacerlo con el botón Alt pulsado, de esta forma podremos ver de una forma mucho más visual, las zonas que estamos perdiendo al realizar este retoque. En el caso contrario, de una fotografía sobrexpuesta, tendremos el histograma con el peso en la derecha, como vemos en la siguiente imagen. Con esta herramienta podremos ver fácilmente si nuestra exposición es correcta o no. Para compensar la exposición en esta imagen, haremos el mismo proceso pero a la inversa, seleccionaremos el deslizador de sombras, pulsando la tecla ALT, y nos moveremos hacia la derecha, ajustando así la exposición de forma correcta. Todo lo que está a la izquierda de ese deslizador, será información perdida. Es muy recomendable realizar todos los ajustes de nuestras fotografías en capas de ajuste, evitando siempre hacer el ajuste directamente a nuestra fotografía, de esta forma tendremos el control total sobre cada ajuste y podremos eliminarlo y modificarlo a nuestro antojo en cualquier momento y trabajar de forma no destructiva con nuestras fotografías. Enlaces de Interés: Sorteo del Libro: Podcast Rodrigo Rivas Sorteo Telegram: Cómo participar Descargar Nik Collection Todo sobre el nuevo objetivo de Irix Todo sobre los archivos RAW Cursos Online de Carretedigital.com Libros de Fotografía Recomendados: El ojo del Fotógrafo Vidas de los grandes fotógrafos El registro de la luz Los Secretos de la Exposición Fotográfica Sobre la fotografía contemporanea La visión del fotógrafo Composición Fotográfica Todo sobre el Histograma
26. Entrevista a Rodrigo Rivas, autor del libro Fotografía Móvil
Hoy nos visita en el podcast Rodrigo Rivas, autor del libro Fotografía Móvil dónde nos presenta su último trabajo editorial y nos aclarará muchas cuestiones sobre este mundo tan emergente. Veremos el por qué de su libro, su trabajo y su forma de trabajar. La cámara es sólo una herramienta más y como tal, no debe ser menospreciada en ningún momento este tipo de tecnología, que como veremos en el podcast, tiene muchos beneficios directos en nuestras imágenes. Veremos las limitaciones y las bondades de un sistema cada vez más expandido y usado, ya que cada año, la tecnología avanza a pasos agigantados, posibilitándonos incluso el disparo en RAW directamente desde nuestro terminal móvil. Rodrigo Rivas nos recomendará varias aplicaciones que podremos usar para mejorar nuestro flujo de trabajo en el dispositivo y obtener mejores resultados. Y por último, ponemos a partir de ya y hasta el día 25 de Abril un ejemplar firmado por Rodrigo Rivas sólo para suscriptores. Para participar tenéis que responder correctamente a una pregunta que sabréis responder si habéis estado atentos a la entrevista y que podéis encontrar desde hoy mismo en la Intranet. Enlaces de Interés: Libro Fotografía Móvil Web Rodrigo Rivas Instagram Rodrigo Rivas Twitter Rodrigo Rivas Facebook Rodrigo Rivas Youtube Rodrigo Rivas Concurso de Fotografía Telegram Aplicaciones IOS: ProCamera Enlight Aplicaciones Android: PicsArt Snapseed
25. Tres servicios de almacenamiento de fotografías online, RAW incluidos
En el podcast de hoy hablaremos de cómo y dónde debemos de realizar nuestros backups online. Hablamos de tres servicios de almacenamiento de fotografías online, RAW incluidos. Ya sabéis lo recomendable que es realizar copias de seguridad para tener todo a salvo de algún desastre, normalmente, nos damos por servidos teniendo una copia local de nuestros archivos. Veremos por qué es muy buena idea realizar una copia online, en la nube, a parte de realizar tu copia local, y lo haremos hablando de tres servicios, dos gratuitos y otro de pago, pero que realmente está al alcance de todos. Empezamos con las noticias del sector, resolviendo dudas y anunciando el primer concurso de fotografía Telegram de carretedigital.com, desde el enlace puedes acceder a toda la información al respecto, cómo participar y las reglas del concurso. Tras asistir a la presentación del libro de Rodrigo Rivas: Fotografía Móvil, he de decir que acabé encantado con su evento. Tanto es así, que la semana que viene estará acompañándonos en el podcast y sortearemos uno de sus libros entre nuestros suscriptores. Eso sí, las condiciones serán un poco distintas a lo que veníamos haciendo hasta ahora, así que tenéis que estar atentos a los podcast. En primer lugar abordamos el servicio de Mega, un servicio gratuito que ofrece 50gb de almacenamiento totalmente gratis. Tan sólo tendremos que registrarnos y empezar a utilizarlo. Tiene tanto app para dispositivos móviles, cómo una aplicación de escritorio, que hará que podamos tener un backup automático de aquellas carpetas que decidamos salvar. La velocidad de descarga es bastante buena para ser un servicio gratuito y el único "pero" que tiene, poco tiene que ver con el servicio, sino más con su dueño: Dot.com, este personaje ya es conocido por todos por ser el CEO de Megaupload, donde acabó por cerrarse su servicio y él entre rejas. Así que la estabilidad del servicio, aunque a día de hoy goza de bastante salud, es algo a tener en cuenta. Seguimos hablando de Google Fotos, otro servicio gratuito que con gran acierto el todopoderoso Google pone a nuestra disposición, tras sus constantes fracasos en el mundo social y a caballo entre Google Picassa y Google + nace Google Fotos, un servicio excelente. Además, nos aporta una ventaja única hasta ahora: almacenamiento ilimitado para nuestras fotografías. Cuenta con aplicación de escritorio y app, de forma que podremos automatizar el proceso de backups. Cuando iniciamos Google Fotos por primera vez, nos da dos opciones: Alta Calidad: Almacenamiento ilimitado con limitación de hasta 16 megapixeles. (no guarda archivos RAW) Original: Almacenamiento hasta 15gb gratuitos con la máxima calidad en nuestros archivos. Cómo veis, todos los servicios gratuitos tienen un "pero", así que se hace necesario para aquellos con un perfil un poco más profesional y gran cantidad de datos utilizar el tercer servicio que recomendamos. Hablamos de Amazon Cloud Drive, uno de los grandes desconocidos. Cuando hablamos de Amazon, no creo que haga falta presentación alguna, sin duda otro de los grandes de Internet. Junto a su servicio de mensajería Premium, Amazon da la posibilidad de realizar envíos gratuitos y en tan sólo un día de entrega en millones de productos de su catálogo. A parte, los usuarios premium, pueden disfrutar de Amazon Cloud Drive, un espacio online dónde tendremos 5gb de almacenamiento gratuito para archivos y almacenamiento ilimitado para nuestras fotografías, dónde podremos incluir nuestros archivos RAW originales. Todo lo que un profesional necesita, además, con el envío gratuito a lo largo del año, si sueles hacer compras en esta web es muy seguro que amortices los 20 euros anuales que cuesta su servicio. Sí, como lo lees, tan sólo 0,05 céntimos al día. Por esa cantidad, podrás tener todas tus fotografías almacenadas en la nube sin problema alguno. Sin duda alguna, recomiendo por completo su utilización. Tenéis un mes de prueba para ver como funciona su servicio, no hace falta que diga que también dispone de app y aplicación de escritorio para poder automatizar las tareas de backups.
24. Cuándo debemos cambiar de cuerpo y concurso en Telegram
Ya de vuelta de Paris, os doy una recomendación personal sobre cuándo debemos de cambiar de cuerpo en nuestras DSLR. Últimamente he recibido muchas preguntas sobre el mismo asunto, y es curioso, ya que casi todos han hecho referencia a que quieren cambiar de cuerpo para adentrarse en el mundo de la fotografía nocturna. Parece que existe cierta desinformación al respecto, ya que veo que muchos usuarios entienden que para hacer fotografía nocturna necesitamos una cámara especial o mejor, y esto dista mucho de la realidad. La disciplina nocturna, requiere de una especialización en conocimientos, como toda nueva disciplina, pero para nada nos obliga a cambiar de equipo fotográfico. Si queremos adentrarnos en este mundo y dar nuestros primeros pasos basta con aprovechar el cuerpo que tenemos, que nos dará suficiente buenos resultados antes de tener que cambiar y pasar por caja. Lo ideal, antes de cambiar tu equipo, es conocer los límites que tiene y eso sólo podemos conseguirlo de una forma: sacándole el máximo provecho y usándola hasta el límite. Si no conocemos las limitaciones de nuestras cámaras, vamos a tener más margen para equivocarnos en nuestra próxima compra. En el podcast expongo mi caso personal, que debido a la poca información que tenía en aquel momento, deambulé entre marcas hasta acabar en Canon, pasando por Olympus y Sony. Y todo este "cambio" se debió exclusivamente a la falta de consejo o experiencia. Equivocarse tampoco es un drama, pero si afinamos nuestra elección de antemano nos aseguramos no perder tanto dinero, ya que los equipos fotográficos precisamente no son nada baratos. Por último, quiero agradecer la participación en los grupos de Telegram. Se han unido cerca de 150 personas en los distintos grupos y ya tenemos provincias muy movidas que ya han llegado a realizar varias quedadas entre ellos. Me alegra mucho haber hecho de enlace con otras personas interesadas en el mundo de la fotografía, y para mostrar mi alegría voy a organizar el primer concurso fotográfico de Carretedigital.com a través de los grupos de Telegram. ¿En que consiste este concurso? Pues que mejor forma de hacerlo que relacionarlo con el podcast de hoy, he recibido muchos emails poniendo en duda las compras tan baratas de equipo que he realizado a través de segunda mano. Pero para muestra un botón, y he logrado adquirir una cámara Canon DSLR 350D por tan sólo 50€. Así que ese va a ser el premio, un cuerpo al que poder sacar todo el potencial y exprimir al máximo. ¿Quién dijo que empezar en el mundo de las DSLR era caro?. Pero aquí no queda la cosa, si el ganador del concurso fotográfico resultar ser suscriptor de Carretedigital.com además de la cámara, recibirá un objetivo Yongnuo 50mm 1.8 totalmente nuevo para su disfrute. Un compañero ideal para esta réflex. Enlaces de Interés: Podcast de mi equipo fotográfico Grupos de Telegram
23. Megapixeles, resolución y tamaño de impresión
En el podcast de esta semana aclararemos los conceptos de Megapixeles, resolución y tamaño. Tres conceptos que pueden llevar a error y que es conveniente aclarar para saber como trabajar correctamente con nuestras imágenes a la hora de una ampliación o reducción. Explicaremos como escalar correctamente una fotografía desde Photoshop. Empezamos con las noticias del sector, advirtiendo de los peligros de los filtros protectores, hace poco un amigo se ha cargado un objetivo debido a que el filtro que tenía puesto recibió un golpe y le ha entrado parte del polvo de cristal dentro del mecanismo del mismo, produciendo que su funcionamiento vaya mal. Ojo con este tema. Sergio, como coordinador TIC de un centro, nos pregunta por el servicio que le vendría mejor a la hora de almacenar las fotografías de su centro, necesita mucha capacidad y nos pregunta por Flickr, algo que descartamos viendo la tendencia económica de Yahoo. Le aconsejamos Google Fotos, un servicio estable de calidad y con almacenamiento ilimitado. Visto las noticias, pasamos al desarrollo de nuestro tema de hoy, empezamos con los megapixeles donde veremos que estos no tienen un tamaño definido, sino que depende de la distancia a la que los veamos para que empecemos a notar su presencia. Este concepto es uno de los que trae de cabeza a más de uno y es que un pixel no tiene un tamaño definido, puede variar según el soporte donde lo veamos. Ponemos como ejemplo, el visionado en pantallas de TV de distinto tamaño o la campaña publicitaria que sacó Apple con sus dispositivos iPhone 6. Continuamos con la resolución, que vienen definida por la condensación de puntos en una pulgada de tamaño. Lo que interpretaremos como ppp. Actualmente, las imprentas suelen trabajar con resoluciones entre los 240 ppp y 300 ppp para asegurar una impresión de calidad. Este valor, es el que define la resolución de nuestras imágenes, a mayor número de puntos por pulgada, mayor nitidez y definición. Por último, explicamos el tamaño de nuestras imágenes, y que si solamente cambiamos el tamaño, lo que estaremos haciendo en realidad es hacer los pixeles más grandes y empeorar la calidad de nuestra fotografía. Para hacer una ampliación correctamente debemos de usar la opción de remuestreo que incluye Photoshop en el menú Imagen > Tamaño de Imagen. Si abrimos un archivo RAW de mi cámara Canon 5D Mark II y accedemos a dicho menú nos encontraremos con la siguiente información Archivo RAW Canon 5d Mark II sin modificar Si multiplicamos la cantidad de pixeles que muestra esta imagen, 5616 x 3744 nos dará como resultado 21 millones de pixeles, que es precisamente la cantidad de megapixeles que tiene mi cámara: 21. En esta imagen, con una resolución de 240 ppp y estos píxeles, Photoshop nos indica que podemos trabajar a un tamaño de imagen 60x40 cm. Archivo RAW Canon 5d Mark II modificado a 300 ppp En este caso, lo que hemos realizado es una ampliación de la resolución a 300 ppp para poder mandarla correctamente a imprenta. Lo que hace realmente es ampliar la cantidad de pixeles de nuestras imágenes, por así decirlo, Photoshop tiene que inventar esos pixeles para no perder calidad de la imagen estirándolos, sino que crea, mediante un algoritmo matemático, pixeles correspondiente a nuestra imagen para poder hacer la ampliación sin generar tanta perdida. Archivo RAW Canon 5d Mark II ampliación En este caso, lo que queremos a parte de subir la resolución es ampliar nuestra imagen a 1 metro de anchura para su posterior impresión. De esta forma, lo que conseguimos es que Photoshop tenga que remuestrear la imagen hasta casi el doble de los pixeles originales que tenía nuestra fotografía, creando un archivo bastante pesado. De esta forma conseguiremos hacer una ampliación con muy buena calidad. Archivo RAW Canon 5d Mark II reducción Y por último os muestro el caso contrario, en caso de querer hacer una reducción a 20x13 lo que conseguiremos es que Photoshop elimine los pixeles innecesarios, remuestreando la imagen de la mejor forma posible. Importante: Recuerda que cada vez que le damos a Photoshop la orden de disminuir o aumentar el tamaño de una imagen, estamos añadiendo o restando pixeles a la misma. Vamos, estamos manipulando la fotografía de un modo destructivo, lo que puede suponer un estropicio si no lo hacemos correctamente. Utilizaremos el remuestreo para evitar perder calidad a la hora de impresión respecto a la opción de agrandar los pixeles. Enlaces de Interés: Entrevista en el podcast de Mario Rubio Flickr: situación actual Google Fotos
22. La distancia hyperfocal, definición y ejemplos
En este podcast abordamos la distancia hyperfocal, ese concepto tan confuso que en realidad es básico si queremos conseguir la mayor nitidez en nuestras tomas de naturaleza, y como ya veremos, en otras disciplinas de la fotografía. Veremos lo fácil que es entender esta técnica con tan sólo 3 conceptos básicos que iremos definiendo poco a poco hasta entender su funcionamiento. Para comprender la distancia hyperfocal necesitamos saber: Qué objetivo usar Qué apertura es la correcta Qué distancia necesito Como veis, no es tan difícil entender este palabro, y que mejor forma que hacerlo con ejemplo, te recomiendo que descargues la aplicación de calculadora DOF para tu móvil y realices los ejercicios a la par conmigo para entender, de forma más visual, la distancia hyperfocal. Enlaces de interés: Curvas MFT Hyperfocal Pro (Android) DOFmaster
21. La importancia de asistir a quedadas fotográficas
¿Habéis salido alguna vez con otros fotógrafos?, ¿quedáis de vez en cuando con gente con las mismas inquietudes que ustedes?. Si tu respuesta es "no", creo que deberías de escuchar este podcast, donde hablamos de todas las ventajas que puede ofrecerte asistir a quedadas fotográficas. Pero no sólo se queda ahí la cosa, hemos creado una sección para todos aquellos oyentes que se animen a participar y quieran conocer a otros fotógrafos, un canal abierto donde poner compartir tu pasión fotográfica. Puedes entrar en https://carretedigital.com/telegram/ y seleccionar la provincia a la que perteneces para empezar a participar de este grupo. Tan fácil como hacer un clic, además estarás notificado siempre de las actualizaciones que realice en carretedigital.com así como los concursos que vayamos desarrollando. Te invito a que participes en la comunidad.
20. ¿Debemos firmar nuestras fotografías?
En el podcast de hoy hablaremos de cómo y cuando firmar nuestras fotografías. Damos respuesta a esta pregunta que ha sido repetida en varias ocasiones. En primer lugar debemos de pararnos a pensar el motivo que nos lleva a firmar nuestras imágenes. Trataremos la motivación de notoriedad, branding u obtener crédito dentro del mundo de la fotografía profesional, así como el posible robo de nuestras imágenes o si se debe a un motivo económico. Abordaremos este tema intentando enfocar lo que realmente importa: el beneficio que podemos obtener mediante nuestras imágenes, a la vez que terminamos con dos consejos muy importantes a la hora de poner en valor nuestras propias fotografías. Dos consejos muy útiles que nos ayudará a sacar el mayor valor para nuestro presente y futuro.
19. Biografía de Ansel Adams, “El negativo es la partitura, la copia es la ejecución.”
Hoy inauguramos una nueva sección de nuestro podcast, dónde hablaremos de la vida, situación social y política de los grandes fotógrafos de nuestra era. Hoy nos acercamos a la biografía de Ansel Adams, dónde intentaremos recorrer parte de su vida desde la niñez hasta su muerta con el fin de entender mejor su obra. Biografía de Ansel Adams Nació el 20 de Febrero de 1902 en San Francisco, Estados Unidos. “Espero ansioso nuevos procesos y nuevos desarrollos. Creo que la imagen electrónica será el próximo gran avance. Estos sistemas tendrán características estructurales ineludibles, y por tanto los artistas como los técnicos deberán hacer un renovado esfuerzo para comprenderlos y controlarlos.” Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del Parque Nacional Yosemite en Estados Unidos, entre otros muchos. Y autor de numerosos libros sobre fotografía donde podemos destacar su trilogía (La Cámara, El Negativo y la Copia) estamos ante uno de los grandes fotógrafos de la historia. Un personaje tan interesante como atrevido, con unos ideales férreos y un visionario que lo aleja de su arquetipo de purista. Posiblemente sea uno de los fotógrafos que más haya hecho por el mundo de la fotografía. Sus imágenes, increíblemente bellas e impresas con una técnica impoluta, favorecieron que muchos adaptaran la idea de que la fotografía, podía ser un medio de expresión. De hecho, este fue uno de sus propósitos principales a la hora de realizar fotografías. Su legendario “sistema de zonas” proporcionaba al fotógrafo una gama monocromática más amplia, y con ello más expresiva. Un método para calcular el tiempo de exposición y de revelado que debía aportar una gradación óptima a los valores del gris. Un año después del nacimiento de Ansel, sus padres Charles Hitchock Adams y Olive Adams, se trasladaron a la casa que su padre había estado construyendo en San Francisco. Su niñez estuvo marcada por los muchos momentos que tuvo que guardar cama debido a su predisposición a enfermar. Él mismo dijo de su niñez, que estuvo marcada por su estado mental precario y por su hiperactividad, dos elementos que le fueron acompañando a lo largo de su vida. A los cuatro años de edad, le tocó vivir de cerca el drama del terremoto de San Francisco de 1906, donde las consecuencias para su familia fueron únicamente pequeños daños en la estructura de su casa, y para él, una fractura de nariz. Sin embargo, en su propia biografía recuerda este momento como la experiencia más cercana con el intenso sufrimiento humano. Recuerdo que se le grabó con fuego aún con su corta edad. En esta misma época, en su familia tuvo lugar una desgracia, aunque él no fue consciente de lo que pasaba. La quiebra del negocio químico de su padre debido a la traición de sus socios, su cuñado Ansel Easton y su abogado y amigo George Wright. La familia cayó en una embarazosa situación social y económica y su madre cayó en una depresión constante que arrastró durante años. El padre de Adams intentó ganarse la vida con otros negocios, pero al final desistió y acabó trabajando como vendedor de seguros y jefe de una oficina. Curiosamente, la enfermedad fue la responsable del interés de Ansel por la fotografía. Cuando tenía doce años, enfermó de sarampión, por lo que tuvo que permanecer en la cama, con las persianas bajadas. Ahí en la cama, fue donde se percató que los espacios entre la persiana y la parte superior de las ventanas hacía las veces de primitivos objetivos, que proyectaban en el techo vagas imágenes del paisaje exterior. Su padre le explicó el fenómeno convirtiendo su cámara Kodak Bulls-Eye en una cámara oscura. Este fue su primer e interesante contacto con el mundo de la fotografía que le dejó marcado por la curiosidad del hecho de por vida. Ansel Adams fue hijo único y muy querido, según la correspondencia que se conserva de la familia parece que hicieron todo lo posible para lograr que pudiera llevar la vida que sus padres habían deseado. Como consecuencia, este hizo que Ansel viviera con un constante deseo de complacer a sus padres. Su madre tocaba el piano y con doce años empezó a mostrar interés por la misma afición de su madre. El aprendizaje de este instrumento fue algo de vital importancia para su vida, ya que en su biografía recalca que le infundió el sentido de la disciplina. Su paso por el colegio fue bastante problemático y la situación económica que estaba viviendo hizo mella en sus estudios, tampoco le ayudó mucho su timidez y la dislexia que padecía, que le causó ciertos problemas al intentar integrarse en la escuela. Ansel era un entusiasta de la naturaleza, gracias a un libro que le regaló su tía sobre Sierra Nevada, animó a su familia a pasar las vacaciones en el Parque Nacional de Yosemite. Poco después de llegar a Yosemite, le regalaron su primera cámara, una Kodak Box Brownie. Quedó tan enamorado del lugar que volvió a repetir la experiencia al siguiente año al mismo lugar con su familia. Durante toda su vida Ansel luchó por defender y proteger la naturaleza. Al cumplir los 16 años, Adams trabajó a tiempo parcial en una tienda de servicio de fotografía cercana a su casa. Durante el verano de ese año realizó su primera visita a Yosemite en solitario. No sólo empezaba a distanciarse de su familia, sino también a darse cuenta de lo esencial para su desarrollo físico, emocional y espiritual que significa Yosemite. Un año después, se hizo miembro del club: Sierra Club, organización ecologista a la que perteneció activamente hasta su muerte. Su ingreso en el club acentuó su interés por la fotografía donde acostumbraba a llevar su cámara de gran formato Graflex a todas sus excursiones. En este club estableció una relación de amistad con Cedric Wright, violinista y fotógrafo aficionado y también hijo del antiguo socio de su padre. Juntos empezaron a difundir sus experiencias por las tierras salvajes estadounidenses mediante conferencias. Ansel orientó su esfuerzo para dedicarse al piano y trabajar como concertista. Con 21 años compró un piano de cola de 6.700 dólares que tuvo que ser pagado con la venta de un terreno que le había regalado su tío, junto al esfuerzo económico de su padre que tenía que pagar los plazos a la misma vez que mantener a la familia. Los esfuerzos de sus padres con la dura realidad económica muestra lo importante que era para ellos las altas metas de su hijo. Adams empezó a ver la fotografía como algo lucrativo y del cual le gustaría empezar a vivir. Su primer éxito fue conseguir financiación para un viaje a las Montañas Rocosas de Canadá como fotógrafo oficial. Desde los 18 años ya empezaba a mostrar dudas sobre su planeada carrera como concertista de piano y su recién descubierto amor por la fotografía. Este dilema que le acompañó durante años, y la intensa necesidad de vender sus fotografías, lo llevaron al estudio de Harry Cassie Best, un pintor de paisajes que había encontrado un mercado para sus cuadros de Yosemite. Best tenía una hija con 17 años: Virginia, con la que Adams acabó casándose y con la que tuvo 2 hijos. En 1927, su amigo Cedric Wright le presentó a Albert Bender, socio de éste en una compañía de seguros y comprometido patrocinador de las artes. Bender introdujo a Andsel en el ambiente cultural de San Francisco e hizo realidad la publicación de una colección de sus fotografías: Parmelian Prints of the High Sierras. Bender fue un personaje decisivo en la vida de Ansel ya que gracias a él pudo acceder a su carrera como profesional dentro de la fotografía. Le aportó energía y seguridad a la vez que contactos. En uno de sus viajes con Bender conoció a Paul Strand, sus imágenes le causaron gran impacto, ayudándolo a alejarse del estilo pictorialista y a encaminarse hacia el estilo de “straight photography” (fotografía directa o pura), donde la claridad de la lente es lo más importante y dónde la fotografía ha de sufrir el menor número de ajustes y retoques posibles. En palabras de Adams, este encuentro fue una revelación: su “destino” no era la música, sino la fotografía. La madre y la tía de Adams le rogaron que no abandonara el piano defendiendo que “La cámara no puede expresar el alma humana”. Su respuesta consistió en dedicar el resto de su vida a demostrar que estaban equivocadas. Adams estaba introducido totalmente en el círculo cultural, se rodeó de grandes fotógrafos y amantes del arte, conoció a Edward Weston con quien entabló una gran amistad y crearon un club fotográfico llamado “F/64” en honor a la apertura más cerrada de las cámaras de gran formato. Este grupo se oponía frontalmente al pictorialismo en favor de una estética directa. Poco a poco, fue desarrollando las bases de lo que sería su estilo fotográfico. Durante un viaje a Yosemite, experimentó un momento inspirador mientras trataba de decidir cómo trasladar a una fotografía el qué sentía ante la presencia del Half Dome, un enorme domo granítico en el extremo oriental del valle de Yosemite. Precisamente, al que hace honor en su fondo de pantalla el sistema operativo de Apple Yosemite, un guiño a la figura de Ansel Adams. En esa toma, se le ocurrió utilizar un filtro rojo, consiguiendo oscurecer el cielo en la copia afirmando que había logrado su primera verdadera visualización. La visualización, o lo que llamó más tarde, la “previsualización”, se convirió en uno de los dos dogmas de su credo estético. El otro fue el “sistema de zonas”. Empleando los términos musicales propios de su formación, manifestó: “El negativo es la partitura, la copia es la ejecución.” En 1933, Adams y Virginia viajaron a Nueva York para mostrar sus trabajos a Alfred Stieglitz, fotógrafo al que siempre había admirado. Tres años más tarde, Stieglitz le ayudó a llevar a cabo su primera exposición personal. Aunque podríamos considerar a Ansel Adams cómo un fotógrafo paisajista, no sería fiel reflejo de su vida como profesional de la fotografía, ya que también se dedicó a la fotografía de publicidad, anuncios, retratos, arquitectura, ilustraciones, reproducciones de obras de arte, fotomicrofototografías, ciudades, paisajes, animales y noticias, a lo que podríamos añadir su colaboración con revistas como Life y Fortune además de ser fotógrafo asesor para Polaroid y Hasselblad. Con lo cual, podemos ver que su intrusión en la fotografía fue muy completa y tocando prácticamente casi todos los palos de la fotografía que le ayudó como sustento financiero. Sus imágenes se han convertido en un símbolo angloamericano, muchas de ellas centradas en el Parque Natural de Yosemite, siendo los paisajes el principal tema de sus fotografías. Precisamente por esto obtuvo alguna que otra crítica, como por ejemplo la del fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson, que sin duda traeremos a este podcast biográfico muy pronto, y que dijo sobre Adams: “El mundo se está cayendo a trozos y todo lo que Adams y Weston fotografían son piedras y árboles.” incluso fue muy criticado por la ausencia de personas en sus fotografías paisajísticas. Tres años antes de su muerte, recibió el premio internacional de la fundación Hasselblad, con el tiempo este fotógrafo se ha convertido en leyenda, fotografiando lugares a los que ha ayudado a conservar. En 1984 murió debido a un fallo en su corazón, posiblemente agravado por un cáncer pancreático. Personalmente, después de adentrarme en la vida de este genio de la fotografía, podría decir que ha sorprendido gratamente sus convicciones e ideales. Defendió la fotografía como arte y método expresivo ante las críticas recibidas y el poco recorrido de este trabajo en aquella época, supo rodearse y dejarse influir por profesionales de la fotografía que le hicieron definir la visión de su fotografía y nunca abandonó su instinto y visión de futuro, entendiendo la fotografía en cada época y cambiando su visión respecto al tiempo y la tecnología. Tengo mucha curiosidad sobre cómo hubiese interpretado este genio los tiempos modernos de la era digital. Se fue justo antes de este cambio tan importante pero del cual ya anunciaba que habría que comprenderlos y controlarlos. Todo un personaje que nos ha acompañado en este podcast. Referencias: Vidas de los Grandes Fotógrafos (Juliet Hacking) Wikipedia: Ansel Adams
18. Jose M. Gallego, tipos de sensores e ISO a nivel técnico
En este podcast entrevistamos a Jose Manuel Gallego Reina, fotógrafo de naturaleza afincado en Sevilla. Más que un fotógrafo para mí, ya que es uno de mis padres en la fotografía. Será el próximo ponente de las meetup de fotografía de CarreteDigital.com en Fnac Sevilla el próximo 04 de Febrero a las 19:00 h. Nos habla de su pasado como técnico fotográfico y nos hace hincapié en la importancia del sensor, donde veremos los distintos tipos de sensores y sus características generales, también veremos la importancia del ISO y cómo trabaja el sensor con este valor, todo desde un punto de vista técnico poco usual. Por último, nos anuncia un descuento para suscriptores del 15% en sus cursos presenciales. Todo un regalazo para nuestra comunidad que ya tenéis disponible en la Intranet. Podéis encontrar más información sobre el en: josemanuelgallego.com Facebook
17. RAW vs JPG: ¿Por qué debemos disparar siempre el formato RAW?
Esta semana tratamos un tema fundamental dentro de la fotografía profesional. El uso del formato RAW. Hablamos de la diferencia entre el formato JPG y RAW y por qué debemos de usar este último siempre. Si disponemos de una cámara Réflex, tenemos que asegurarnos que tenemos activada la opción de guardar nuestras fotografías en formato RAW para conservar el máximo de calidad en las mismas. A parte de ver qué es este tipo de formato y sus principales ventajas, tenemos que aprender cómo visualizarlas en nuestro equipo y cómo trabajar con ellas a la hora de editar. Existen multitud de software que te permiten trabajar con formato RAW de forma gratuita, aunque la que recomiendo desde aquí es Adobe Lightroom. En el curso de Lightroom Básico hemos visto como utilizar este software no sólo como motor de revelado para archivos RAW, sino te aprovechamos la opción de Biblioteca que incorpora y su forma ágil de trabajar con este tipo de formato.