Más allá de toda especulación o tendencia en las artes visuales, la pintura artística, se diferencia de cualquier otro tipo de pintura, en que su práctica no corresponde necesariamente a una demanda, sino a la búsquela personal de un mensaje visual, que trascienda al material usado en sí, emergiendo detrás de las formas y los colores y sus tonalidades, un contenido que invite al espectador a explorar un camino que se recorre a través de las manos del mismo pintor. Siempre basándose en las técnicas elementales de la pintura como lo es la composición, el equilibrio, ritmo, forma, color y valor. La pintura es la expresión de ideas, pensamientos y sentimientos en el papel, madera, paredes etc. Para esto el pintor necesita una habilidad para pintar y además una situación en que se base, es decir, un conflicto, problema, o situación en la que este se encuentre. Estas técnicas basadas en naturalezas matemáticas han sido perfeccionadas a lo largo de la historia por todas las grandes civilizaciones conocidas, y sus profundos conocimientos han sido siempre aplicados a consciencia por la mayoría de los grandes pintores que han trascendido en sus obras.
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En Historias de Arte en Podcast, van a oír todo acerca de sus obras de arte y artistas favoritos. Para nosotras no hay nada más apasionante que investigar y enseñar lo que hay detrás del arte más famoso del mundo, cada episodio es una historia diferente, hablamos de pinturas, artistas, sus fascinantes vidas, como se hicieron famosos, o si no se hicieron famosos en vida, dónde estudiaron, las rivalidades que muchas veces surgieron y surgen entre ellos...en fin, queremos mostrar lo humano de cada obra de arte y que pasen un buen rato. Para muchos, la historia del arte es aburrida, lejana y complicada, este podcast les va a demostrar que no es así. ¡Bienvenidos! WEB: http://historiasdearte.com Síguenos en Instagram: @historiasdearte.enpodcast. Twitter: @historiasdeart1 Facebook: historias de arte en podcast
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Data Stories
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Acompáñenme a Ravena para visitar su arte paleocristiano y bizantino
Ravena no es una de las ciudades más conocidas del norte de Italia, pero en ella se concentran una gran cantidad de edificios declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, ya que es a nivel artístico en una de las ciudades más importantes de Italia y la capital de los mosaicos y monumentos bizantinos. El Ciclo de Conferencias nos trajo la conferencia "Acompáñenme a Ravena para visitar su arte paleocristiano y bizantino", cuya ponente fue la médica, microbióloga, psicóloga clínica y licenciada en Historia y en Historia de Arte, Luisa Silla Criado. Las iglesias bizantinas de Constantinopla han sido mutiladas y blanqueadas por los turcos, y de muchas de ellas se hace difícil apreciar su belleza, faltándoles, además de la decoración de mosaicos, los ornamentos litúrgicos que las enriquecían; en cambio, en Ravena, la ciudad italiana a orillas del Adriático, que fue capital del Exarcado, se conservan casi intactas inapreciables joyas del arte bizantino. Ravena fue durante tres siglos como un barrio de Constantinopla. Su importancia data de la época de Honorio, el hijo de Teodosio. Creyéndose poco seguro en Roma, amenazada por los bárbaros, Honorio trasladó su corte a Ravena, defendida por insanas lagunas y que tenía la ventaja de ser punto, favorable para embarcar, como último recurso, en dirección a los Estados de su hermano Arcadio, emperador de Bizancio.
Obras maestras de la pintura valenciana
El Ateneo Mercantil de Valencia ha programado un serial de conferencias con D. Amando García en la que se tocarán diversos temas en los que es especialista. En esta ocasión habló largo y tendido de "Obras maestras de la pintura valenciana". La Comunitat Valenciana atesora una gran cantidad de obras maestras de arte en sus museos. Obras como El Autorretrato de Velázquez (1599-1660) que está valorado en más de 24 millones de euros pero su valor real es incalculable. El conjunto de la capilla de San Francisco Borja en la Catedral de Valencia, que no es un cuadro, sino tres. Dos de Goya (1746-1828) y el tercero, de Mariano Salvador Maella (1739-1819). La Triste herencia de Joaquín Sorolla en el Museo Bancaja. El Retablo de Fray Bonifacio Ferrer de Gherardo Starnina en el Museo San Pío V. Tarde de Carnaval en la Alameda de Ignacio Pinazo en el Museo Nacional González Martí... son sólo algunas de las obras que desgranamos en esta conferencia.
La Catedral de Salamanca. Su historia, arquitectura y obras de arte más importantes
Séptima y última conferencia del Ciclo Paseos por la Historia y el Arte de las Catedrales de España. Una ponencia que correrá a cargo del profesor e historiador de arte, D. Amando García y que tratará, en esta ocasión, "La Catedral de Salamanca". El conjunto catedralicio de Salamanca, con su dos catedrales La Vieja y la Nueva, ofrece al visitante el singular tesoro de nueve siglos de historia y arte religioso, que puede ser contemplado en línea de perfecta continuidad. La Catedral constituye una parte fundamental de la ciudad de Salamanca, Patrimonio de la Humanidad, sin la cual es imposible comprenderla.
La Catedral de Toledo. Su historia, arquitectura y obras de arte más importantes
Sexta conferencia del Ciclo Paseos por la Historia y el Arte de las Catedrales de España. En esta ocasión, el profesor e historiador de arte, D. Amando García nos da un paseo por "La Catedral de Toledo". Su nombre completo es el de Santa Iglesia Catedral Primada de Toledo. La Santa Iglesia Catedral, Consagrada a la Virgen María en su Asunción a los cielos, comienza a construirse en el año 1226, bajo el mandato del Arzobispo D. Rodrigo Jiménez de Rada, sobre los cimientos de la Catedral visigoda del S. VI, que fue utilizada como mezquita. La construcción es de estilo gótico con una clara influencia francesa. Mide 120 metros de largo por 60 metros de ancho. Está compuesta por 5 naves, sostenida por 88 columnas y 72 bóvedas. Las naves laterales se prolongan por detrás de la Capilla Mayor rodeando el presbiterio y creando una girola con un doble pasillo semicircular. Su primer arquitecto es el maestro Martín, de origen francés, a quien se deben las trazas de la planta y los comienzos de la obra en la cabecera del templo.
Cuatro formas de entender el Impresionismo: Berthe Morisot, Monet, Pissarro y Sisley
Conferencia sobre la pintura impresionista que ofreció la especialista en Historia del Arte en la Nau Gran de la Universitat de València y Guía en el Museo de Bellas Artes San Pío V de Valencia, Dª. Manuela García. El 15 de Abril de 1874, tras haber sido rechazados por los cánones oficiales imperantes en los salones oficiales de Paris, un grupo de artistas decidió unirse y bajo la Fundación "Société anonyme des artistas, peintres, sculpteurs, graveurs, etc" crearon su primera exposición en el taller del fotógrafo Nadar en París. Como era de esperar algunos críticos del momento realizaron comentarios peyorativos, sin embargo hubo otros que alabaron la nueva forma de entender la pintura y sus críticas les fueron favorables. Nacía así, sin ni siquiera tener conciencia de ello, uno de los movimientos más celebrados y admirados del Arte. No sería hasta la tercera de sus exposiciones, en 1877, que el grupo de artistas adoptaría el nombre de Impresionistas por el que ya eran conocidos y empezaban a ser admirados. Existen diferencias a la hora de entender el Impresionismo por parte de Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pisarro o Aldred Sisley... pero en todos ellos existía el espíritu de la renovación, del cambio, y en alguna medida también el intento de acaparar la atención de los observadores más rupturistas. Era el espíritu del Impresionismo.
La Catedral de Barcelona. Su historia, arquitectura y obras de arte más importantes
Quinta conferencia del Ciclo Paseos por la Historia y el Arte de las Catedrales de España. En esta ocasión, el profesor e historiador de arte, D. Amando García nos da un paseo por "La Catedral de Barcelona". Su nombre completo es el de Santa Iglesia Catedral Basílica Metropolitana de la Santa Cruz y Santa Eulalia. Esta catedral gótica de Barcelona es sede del Arzobispado de Barcelona. La catedral actual se construyó durante los siglos XIII a XV sobre la antigua catedral románica, construida a su vez sobre una iglesia de la época visigoda a la que precedió una basílica paleocristiana, cuyos restos pueden verse en el subsuelo, en el Museo de Historia de la Ciudad. La finalización de la imponente fachada en el mismo estilo, sin embargo, es mucho más moderna (siglo XIX). El edificio es Bien de Interés Cultural y, desde el 2 de noviembre de 1929, Monumento Histórico-Artístico Nacional. La catedral cuenta con un claustro gótico en el que viven 13 ocas blancas.
La Catedral de Sevilla. Su historia, arquitectura y obras de arte más importantes
Cuarta conferencia del Ciclo Paseos por la Historia y el Arte de las Catedrales de España. En esta ocasión, el profesor e historiador de arte, D. Amando García nos da un paseo por "La Catedral de Sevilla", que es la catedral gótica más grande del mundo. Declarada en 1987 Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. Su construcción se inició en 1401, aunque no existe constancia documental del comienzo de los trabajos hasta 1433. La edificación se realizó en el solar que quedó tras la demolición de la antigua mezquita aljama de Sevilla, cuyos alminar (la Giralda) y patio (patio de los Naranjos) aún se conservan. Uno de los primeros maestros de obras fue el maestre Carlín (Charles Galter), procedente de Normandía, que había trabajado previamente en otras grandes catedrales góticas europeas. En 1506 se procedió a la colocación de la piedra postrera en la parte más alta del cimborio, con lo que simbólicamente la catedral quedó finalizada, aunque en realidad siguieron efectuándose trabajos de forma ininterrumpida a lo largo de los siglos, tanto para la decoración interior, como para añadir nuevas dependencias o consolidar y restaurar los desperfectos ocasionados por el paso del tiempo, o circunstancias extraordinarias, entre las que cabe destacar el terremoto de Lisboa de 1755 que produjo únicamente daños menores a pesar de su intensidad. El templo acoge los restos mortales de Cristóbal Colón y de varios reyes de Castilla: Pedro I el Cruel, Fernando III el Santo y el hijo de este, Alfonso X el Sabio.
Miradas a la pintura estadounidense: Influencia europea. Llegada del impresionismo
Segunda conferencia sobre las Miradas a la pintura estadounidense que llega bajo el título: "La influencia europea. Cuando los norteamericanos se hicieron modernos". La ponente es la especialista en Historia del Arte en la Nau Gran de la Universitat de València y Guía en el Museo de Bellas Artes San Pío V de Valencia, Dª. Manuela García. A partir de finales del siglo XIX el arte europeo y, lo que es más importante, los artistas europeos, comienzan a tener un impacto mucho mayor en Estados Unidos. El gusto del público se movió hacia temas más cosmopolitas, y el arte europeo fue una vez más el centro de atención entre los coleccionistas estadounidenses. Este es el resultado de dos factores: el surgimiento del poder comercial estadounidense, y la aparición de poderosos coleccionistas de arte y filántropos estadounidenses, que compraron arte europeo para museos en los Estados Unidos. Las tendencias del arte moderno en Europa llegaron a los Estados Unidos a través de exposiciones en Nueva York como el Armory Show de 1913, vista por más de un cuarto de millón de visitantes en Nueva York, Chicago y Boston, marcó un punto de inflexión en el interés público en el arte moderno.
La Catedral de Burgos. 800 aniversario de la seo eterna
Nueva conferencia del Ciclo Paseo por la Historia y el Arte de las Catedrales, en el que D. Amando García, especialista en Historia del Arte, nos relata con suma precisión las mejores catedrales españolas que han perdurado hasta nuestros días. En este caso, la catedral elegida es la Catedral de Santa María de Burgos, que en este 2021 ha cumplido 800 años y está intacta. La Catedral de Burgos cumple años, nada más y nada menos que 800. Porque el 20 de julio de 1221 fue la fecha en la que se puso la primera piedra para la construcción del que es uno de los templos góticos más importantes de nuestro país. Su grandiosidad, la minuciosidad en el trabajo de los detalles o su increíble estado de conservación hacen de la Catedral de Burgos una de las maravillas que hay que visitar al menos una vez en la vida. La catedral se construyó en apenas 40 años, todo un récord para la época.
Juan de Juanes: Construcción, destrucción y recuperación de un mito por Miguel Falomir, director del Museo del Prado
El director del Museo del Prado, Miguel Falomir Faus, impartió en el Ateneo esta conferencia magistral sobre el pintor valenciano, Juan de Juanes. Juan de Juanes fue uno de los más importantes pintores del renacimiento español, dominador absoluto del panorama valenciano a mediados del siglo XVI. Juan comenzó a trabajar en el taller paterno y juntos colaboraron en la realización de numerosos trabajos. El nombre de Juan aparece por vez primera en relación con el retablo de la catedral de Segorbe, en 1531. Es por esos años cuando se aprecia una profunda renovación estilística en la obra de Juan Vicente Masip. Exquisito dibujante, muestra a la vez un colorido rico y brillante, los fondos de las pinturas se articulan con evocadores paisajes poblados de arquitecturas y ruinas clásicas, compuestas como citas eruditas, mientras dota a sus personajes de una gestualidad retórica que demuestra su conocimiento y meditación sobre los tratados de elocuencia clásica. Curriculum del ponente: Miguel Falomir Faus. (Valencia, 1966). Director del Museo Nacional del Prado. Doctor en Historia del Arte por la UV, premio extraordinario. Profesor titular en el Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Valencia. Jefe del Departamento de Pintura Italiana y Francesa (hasta 1700) del Museo Nacional del Prado. Andrew Mellon Professor en el Center for Advanced Study in the Visual Arts de la National Gallery of Art de Washington. Director adjunto de Conservación e Investigación del Museo Nacional del Prado, cargo que ostenta hasta su nombramiento como director del mismo en marzo de 2017.
Joaquín Sorolla y la Medicina. Aspectos desconocidos del pintor
Primera de las dos ponencias que ofrecerá el historiador del arte y museógrafo español, D. Felipe Garín Lombart, en el Ateneo Mercantil. En esta primera ponencia, el Catedrático de Historia del Arte de la UPV, el ex director gerente del Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana y ex director del Museo del Prado (1991-1993), nos acercó la magnífica visión que tuvo el célebre pintor valenciano sobre los conocimientos en Medicina. En la obra de Joaquín Sorolla hay un número notable de piezas maestras dedicadas a la enfermedad y sus paliativos, junto a algo más de una docena de retratos de profesionales de la medicina. Este interés no se explica sólo como algo propio de una época en la que todavía no se contaba con los beneficios de los derivados de la penicilina y otros antibióticos. Hay que tener en cuenta las enfermedades que aquejaron a los miembros de la familia Sorolla, especialmente a la hija mayor, María, que sufrió de tuberculosis, por lo que estuvo rodeada frecuentemente de profesionales de la medicina.
La Catedral de la Almudena de Madrid
Nueva conferencia del Ciclo Paseo por la Historia y el Arte de las Catedrales, en el que D. Amando García, especialista en Historia del Arte, nos relata con suma precisión las mejores catedrales españolas que han perdurado hasta nuestros días. En este caso, la catedral elegida es "La Almudena" de Madrid. En el Madrid de los Austrias, la Catedral de la Almudena tiene una corta pero intensa historia. Los primeros planos de la iglesia fueron trazados en 1879 por Francisco de Cubas con la idea de que sirviese de panteón para la fallecida reina María de la Mercedes. La primera piedra se puso en 1883 pero cuando el Papa León XIII otorgó en 1885 la bula por la que se creaba el Obispado de Madrid-Alcalá se transformó el proyecto de la iglesia en catedral. Cubas realizó entonces un nuevo proyecto, más ambicioso que el anterior, inspirado esta vez en el gótico francés del siglo XIII, sumando elementos de las catedrales de Reims, Chartres y León. Ese proyecto, que incluía por primera vez una gran cripta neorrománica, es el que sirvió de base para la construcción definitiva. La catedral se concibió como un templo votivo, erigido por el pueblo, pero los donativos resultaban insuficientes y las obras se dilataron en el tiempo. En 1899 falleció el marqués de Cubas y se sucedieron en la dirección de las obras Miguel Olabarría, Enrique Mª Repullés y Juan Moya. La cripta se inauguró en 1911, pero las obras se suspendieron durante la Guerra Civil y se reanudaron, con escasos recursos, en 1939. A partir de entonces cambian los criterios estéticos y no se considera adecuada una catedral gótica por el contraste que producía en el entorno. En 1944 la Dirección General de Bellas Artes convocó un concurso nacional para dar una nueva solución arquitectónica, que fue ganado por Fernando Chueca Goitia y Carlos Sidro. En 1950 se reiniciaron las obras, terminándose el claustro en 1955 y la fachada principal en 1960. La catedral pudo considerarse terminada en 1993. Fue consagrada por el papa Juan Pablo II en su cuarto viaje a España, el 15 de junio de 1993. También cuenta con un museo que alberga diversas ofrendas y donaciones a los Patronos de la ciudad: La Virgen de la Almudena y San Isidro Labrador. En él se muestra un recorrido por la vida de la Iglesia a través de los siete sacramentos.
20 Leonardos a debate: verdaderos o falsos
Nueva conferencia de arte con mucho tirón, ya que trata un tema que está generando mucho debate en la actualidad como son las obras que han sido asociadas a Leonardo Da Vinci y que no tienen una adjudicación oficial o generan ciertas dudas de que sean del genio polímata florentino. La escritora y especialista en Leonardo Da Vinci, Dolores García Ruiz, nos trae "20 Leonardos a debate: verdaderos o falsos". El mundo del arte se encuentra dividido en reconocer ciertas obras de Leonardo, que llegó a pintar una veintena de cuadros. Algunas obras están siendo comentadas y analizadas, pero que tienen un indudable valor. Algunos historiadores del arte, entre ellos grandes expertos, opinan que en algunos cuadros la imagen fue pintada, a partir de un dibujo de Leonardo, como ocurre con un Leonardo ruso, la Madonna Litta. Esta discusión no parece tener un final prontío, ni siquiera 500 años después de la muerte del gran pintor.
La Catedral de Valencia. Una joya de la arquitectura universal
La historia y la mezcla de estilos artísticos de la Catedral de Valencia la convierten en una joya de la arquitectura universal El 9 de octubre del año 1238, el Rey Jaime I, hizo su entrada en la recién conquistada Valencia y donde estaba la Mezquita Mayor, la restituyó por la nueva Catedral bajo la advocación de "Nostra Dona Santa María". Hasta que las obras arrancaron en 1262, durante 25 años se usó la antigua mezquita, pero cuando se comenzó a construir la nueva Catedral se hizo con un imperante estilo gótico, pero debajo de la catedral aún existirían resquicios visigóticos y árabes. La primera piedra de la Catedral fue colocada el 10 de junio de 1262 siendo obispo fray Andreu Albalat. La Catedral tardó varios siglos en ser finalizada por lo que la mezcla de estilos artísticos es su característica más relevante lo que además la convierte en una joya de la arquitectura universal. El gótico es el estilo básico y predominante de la catedral, ya que la nave principal y las capillas fueron construidas entre los siglos XIII al XV. El gótico valenciano se caracteriza por ser más bajo y alargado. Hay un nuevo concepto de espacio, más amplio, ligero y luminoso. El edificio se construyó básicamente hasta 1356, originalmente se componía de tres naves con tres tramos, la nave central más ancha y alta que las laterales. Disponía de una torre campanario en la fachada lateral de Levante (en la calle Barchilla), en 1419 se trasladan las campanas a la nueva torre campanario del Micalet. El cuarto tramo que ahora dispone se construyó en el siglo XV, al objeto de unir el templo con la antigua Sala Capitular y con El Micalet que se habían construido exentos. Por tanto el templo en la actualidad se compone básicamente de tres naves de cuatro tramos, nave de transepto, girola, y presbiterio poligonal. El recorrido por el interior de la catedral es muy rico y nos lleva de unos estilos a otros casi sin discontinuidad. La Catedral comenzó a construirse por el deambulatorio. Antes de finalizar el siglo XIII se había concluido la girola con sus ocho capillas, avanzando la obra según se derribaba la mezquita hasta llegar a la Puerta del Palau, en el brazo este de la nave del transepto. Entre 1300 y 1350 aproximadamente, se terminó el transepto y se iniciaron las obras de las tres naves hacia los pies. A esta etapa se deben dos de los aspectos más llamativos de la catedral, la Puerta de los Apóstoles y el cimborrio. Los siglos XV y XVI, siglos del renacimiento, no se reflejaron en la arquitectura de la Catedral, aunque sí en su decoración pictórica, desde el altar hasta las capillas menores. En el orden arquitectónico, este estilo no supuso una ruptura violenta con el gótico, ya que éste ultimo tenía una gran aceptación. Se dio un regreso al lenguaje de la arquitectura clásica, órdenes clásicos, arco de medio punto etc. En lo decorativo, los elementos vegetales, guirnaldas, almohadillados, etc. eran predominantes. En el siglo XVIII su estructura interior gótica fue sustituida por el estilo de la época el neoclásico. La Catedral se cubre con bóvedas de crucería simple de potentes baquetones y plementería de ladrillo dispuesta a rosca. Esto sin embargo tiene una excepción, en la nave del transepto que desemboca en la Puerta del Palau la plementería del primer tramo es de piedra en lugar de ladrillo. La Catedral de Valencia tiene unas dimensiones de 94 metros de largo y 53,65 metros de ancho en la nave del crucero.
Miradas a la pintura estadounidense. Del Salvaje Oeste al Gótico Americano
De nuevo el arte y, más concretamente la pintura, es protagonista en el Ateneo Mercantil de Valencia con esta conferencia que ha ofrecido la especialista en Historia del Arte en la Nau Gran de la Universitat de València y Guía en el Museo de Bellas Artes San Pío V de Valencia, Dª. Manuela García. La pintura de los Estados Unidos tiene una historia de dos siglos, a partir de la independencia del país. A finales del siglo XVIII y principios del XIX, los artistas pintaron sobre todo paisajes y retratos en un estilo realista. Las tendencias del arte moderno en Europa llegaron a los Estados Unidos a través de exposiciones en Nueva York. Con anterioridad, los artistas estadounidenses habían basado la mayoría de su obra en la pintura occidental y las artes europeas. Después de la Segunda Guerra Mundial, Nueva York reemplazó a París como el centro del mundo artístico. La conquista del Lejano Oeste trascendió a lo largo del siglo XIX su dimensión de acontecimiento histórico fundacional de los Estados Unidos de Norteamérica para convertirse en un mito universal, en el que la leyenda fue sustituyendo a la historia. La fascinación por los majestuosos paisajes inexplorados, las formas de vida y costumbres de las tribus indias y la exaltación de tramperos y cowboys se recogieron en un amplio elenco de obras de distintos géneros. Una evolución de la pintura que nos llevará, en esta primera conferencia hasta el American Gothic ("Gótico estadounidense"), cuya imagen idílica llega con la obra de Grant Wood de 1930, que se ha convertido en un icono en la cultura popular, siendo una de las imágenes del arte moderno estadounidense más reconocidas y parodiadas.